JUAN DIEGO TOBALINA // HIPOACUSIA

Salón
Guillermo Rolland 3, I izq. Madrid

Las piezas reunidas por Juan Diego Tobalina tienen en común que trabajan con los sonidos que circulan en un entorno personal: sonidos del cuerpo, sonidos del ambiente, sonidos de objetos domésticos. Y trazan un mapa sonoro donde se mezcla la imaginación y la memoria.  Estas piezas son también exploraciones en instancias discretas del sonido.
Darle volumen a aquello que no está en nuestro centro de atención supone re ordenar la jerarquía social que organiza la audición.  Ingresar al universo de Hipoacusia es escuchar un mundo personal construido a partir de las relaciones entre lo que se desea y lo que existe, entre lo que se inventa y lo que está dado.  Imitar los sonidos de la naturaleza (del mar, de los pájaros) es una forma de volver a ese momento de descubrimiento de lo que conocemos como música.  Es también una manera de señalar la huella de nuestro paso por el mundo.
Hipoacusia es un proyecto sobre la obsesión de escuchar, como goce estético y como forma de conocimiento.  Escuchar aquello que puede extenderse desde el rumor del mar hasta el sonido de la inspiración y espiración registrado en 50 cassettes. Desde los sonidos de los loros silvestres que escaparon del zoológico y se adaptaron al ecosistema urbano hasta la transcripción visual a una partitura de unas piezas sonoras de noise. Desde las descripciones de los sonidos en un video mudo hasta las marcas dejadas por un diapasón. Escuchar e imaginar.  La obsesión por escuchar es lo que lleva a Juan Diego Tobalina a dotar de condición de dispositivo sonoro a estos objetos que tiene a su alcance. Y estos no sólo generan sonido, sino también recuerdos, traen a la mente un lugar y un tiempo personal. Las piezas se movilizan entre lo que se recuerda y lo que se inventa.  Escuchar es aquí una forma de crear. Escuchar es definir un horizonte. Y eso es lo que establece Hipoacusia, unas condiciones y circunstancia específicas, para que estos sonidos hogareños nos digan más, nos hablen más.
Texto Luis Alvarado
Más información: http://saloncito.tumblr.com/post/166477379967/hipoacusia-las-piezas-reunidas-por-juan-diego


TERESA BURGA // RITA PONCE DE LEON

TERESA BURGA
Radical Women: Latin American Art, 1960 – 1985
15.09 - 31.12
HAMMER MUSEUM

Dirigiéndose a un arte histórico, Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 dará visibilidad a las prácticas artísticas realizadas por artistas de América Latina y latinas nacidas en Estados Unidos entre 1960 y 1985; un período clave en la historia Latinoamericana y en el desarrollo del arte contemporáneo.

Quince países estarán representados en la exposición por 116 artistas, con más de 260 obras entre; fotografía, video y otros trabajos de medios experimentales.
Entre las mujeres incluidas figuran personajes emblemáticos como Lygia Pape,Ana Mendieta y Marta Minujín, la artista abstracta cubana Zilia Sánchez, la escultora colombiana Feliza Bursztyn, la fotógrafa puertorriqueña nacida en Nueva York Sophie Rivera, la artista argentina de los medios mixtos Margarita Paksa , la artista peruana Teresa Burga y más.

“Radical Women trae consigo la atención académica a las contribuciones extraordinarias que artistas Latinoamericanas han hecho al campo del arte contemporáneo” , dijo la directora del Hammer Museum, Ann Philbin.“Reflejando la diversa agitación política y social de su época, incluyendo las muchas dictadu- ras que gobernaron los países latinoamericanos en los años sesenta, setenta y principios de los ochenta; Radical Women, las obras, pueden ser vistas como actos heroicos que dieron voz a generaciones de mujeres a través del Latinoamérica y los Estados Unidos “.

RITA PONCE DE LEON
Prometheus 2017 // 29. 08 - 16.12
POMONA COLLEGE

“Prometheus 2017: Cuatro Artistas de México Revisiten a Orozco” muestra el mural Prometheus (1930) de José Clemente Orozco en el campus del Colegio Pomona y examina las múltiples maneras en que la visión de Orozco resuena con cuatro artistas que trabajan en México hoy. Isa Carrillo,Adela Goldbard, Rita Ponce de León y Naomi Rincón-Gallardo comparten el interés de Orozco en las relaciones entre la historia, la justicia, el poder, la protesta social y la narración de cuentos, pero abordan estos temas desde sus propias sensibilidades características del siglo XXI. Estos artistas activan el mural de Orozco revitali- zando Prometeo para una audiencia contemporánea.

Rita Ponce de León revisita la historia y el legado del arte mural como herramienta para reconcep- tualizar la construcción comunitaria y la práctica del arte público. Colaborando con los estudiantes de Pomona College, el proyecto de Ponce de León, para la exposición, compromete a Prometeo a través de sesiones de trabajo colectivo. Examinando la mitología griega y los sueños históricos de la utopía en México.

La exhibición estará a la vista en el Museo de Arte del Colegio Pomona del 29 de agosto al 16 de diciem- bre de 2017, con actuaciones y programas relacionados que ocurren regularmente durante esos meses.


MARCO PANDO // MIND THE SPACE

MARCO PANDO
Ciudad pulmón blanco // 15.09
MIND THE SPACE
SEMANA DE ARTE EN BERLÍN
Marco Pando-Dibujo sobre film de 35mm

Los mecanismos de gentrificación asociados con el sistema capitalista están ganando rápidamente impulso en la creciente metrópolis de Berlín. Siempre más que un tranquilo “pueblo” a pesar de su vibrante escena cultural, Berlín ha sido casi completamente tallada y vendida.Y cualquier “estatus creativo” difícilmente ganado es ahora para la negociación, ya que la situación se vuelve precaria para los art-makers que confían en espacios fuera de sus propios cuartos que viven para poder trabajar. ¡Espacios que ahora son tomados por los ricos! ¿Qué tipo de activismo es aconsejable? ¿A quién deben convencer los iniciadores del proyecto y los espacios artísticos y con qué conceptos? ¿Es el trabajo de convencer realmente su preocupación? ¿Cada historia ha terminado en algún momento? Por ejemplo, el del “capital global” de espacios e iniciativas de proyectos independientes? Las primeras indicaciones de un cambio de política -una “Sala de Agenda” dedicada a apoyar los espacios de trabajo multidisciplinarios- son quizás un signo tentativo de buena voluntad. Pero, ¿está recibiendo realmente la atención y el apoyo suficiente? ¿O el espacio urbano sólo puede ser reclamado por medio de la ocupación? Ya es hora de volver nuestra atención a la cuestión del espacio (libre) - “Mind the Space” - vamos a llegar a él! Concepto / coordinación: Chris Benedict y Matthias Mayer

Proyección de cortometrajes y videos sobre el tema:‘Ciudad-Espacio’
Con las obras de: Betty Böhm, Alexander Callsen, Laure Catugier, Stephan Groß, Heike Hamann, Marco Pando, Johanna Pigors & Amaya Lainez, Nikolaus Schrot, Stefanie Seidl, Gabriele Stellbaum
MIND THE SPACE
15th Septiembre 2017, comienza 5:30 pm
Bar Babette, Karl-Marx-Allee 36, 10178 Berlin.

Mind the Space / raumohneraum
Exhibición y Live Performances: 14.09.2017, 7 pm
Horario de atención: 15.09. – 01.10.2017,Viernes– Domingo 1 – 7 pm Finissage + Get-Together: 01.10.2017, 4 – 7 pm
at C/O KUNSTPUNKT BERLIN, Schlegelstraße 6, 10115 Berlin.

Ceremonia oficial por el Secretario de Estado de Cultura de Berlín. Mas información:
http://www.berlinartweek.de/en/programme/calendar/detail/event/project-space-art-award/


MARCO PANDO // LANGUITECTURE

Construcción y
deconstrucción del lenguaje // 18.08 - 29.08
Arti et Amicitiae
Rokin 112, 1012 LB Amsterdam

Imagen cortesia: Como eliminar el lenguaje con plantas invasivas después de la Bauhaus (2016) de Marco Pando.
Medidas: 180x120cm.

Siete practicantes de diferentes grupos culturales y profesionales se han unido para explorar las interconexiones de sus cuatro lenguas maternas: español, árabe, inglés y alemán.
Languitecture se inspira en la antropología, la filología y la lingüística, con el objetivo de conectarse naturalmente con un amplio público, porque la comunicación y la reinvención de la cultura es un problema predominante y actual. Construida sobre La noción de arte como lenguaje de imágenes y ritmos, los autores son impulsados por la curiosidad de presenciar una acumulación acelerada de lenguas, culturas y medios de comunicación desenvolviéndose en un espacio. 
Desde esculturas, instalaciones sonoras, danza, arte visual y más, se podrán apreciar en esta exposición, la cual busca experimentar sobre cómo las diferentes culturas podrían luchar, Influir, conectarse o alinearse utilizando un elemento fundamental y universal de la cultura: el lenguaje. El lenguaje evoluciona constantemente. Los varios grados de similitud entre cada una de nuestras lenguas son prueba de una rica historia en las migraciones del lenguaje, genealogías compartidas e historias de la proximidad cómodamente olvidadas. Además, las conexiones persisten entre los patrones de voz y entonaciones de diferentes idiomas.
Languitecture reflexionará sobre este principio de transformación a través de la colaboración e interpretación del trabajo de cada participante, espacialmente traduciendo las piezas a través de las diferentes etapas y medios artísticos. 

Participación de los artistas y la curadora
Domingo 20 de agosto a las 15.30-17
Una mesa moderada por Nat Muller sobre el proceso de Lenguaje. El curador y los artistas compartirán sus experiencias de trabajo en el proyecto a través del cual exploraron el arte como lenguaje, lenguaje como una forma de arte, y otros temas en común
Artistas: Rawan Serhan, Lisa Premke, Nadine Hattom, Eduardo Suárez, Marco Pando, Joe Hornby Moderador: Nat Muller
Visitas guiadas por la curadora: Rawan Serhan
Domingo 20.8 de 2:00-3:00pm
Sabado 26.8 de 4:00-5:00pm
Domingo27.8 de 4:00-5:00pm
Martes 29.8 de 4:00-5:00 pm
Escribenos a mirjam@arti.nl
Entrada €3


WILLIAM CORDOVA // New Perspectives on Art of the Americas

William Cordova has produced a meditative platform synthesizing Andean and Western architecture, history and spirituality.

Cordova combines research, travel, writing, drawing, photography, and sculpture to create artworks that disrupt assumptions of a linear history. This idea takes physical shape in the form of two large-scale wooden scaffolding structures, reflecting constellations shared by various cultures in different times and geographic locations, which fills the main gallery space. ankaylli: terreno ideologico is an expansion on yawar mallku: sculpting in time, Cordova’s site-specific installation originally commissioned for the SITElines.2016 Much Wider Than a Line, presented by SITE Santa Fe and co-curated by Rocio Aranda-Alvarado, Kathleen Ash-Milby, Pip Day, Pablo León de la Barra, and Kiki Mazzucchelli. According to Cordova, the structures links architect Frank Lloyd Wright and Buckminster Fuller transcendental philosophies with Aztec, Andean, and Asian cosmology influenced architecture as a way of provoking further readings into ancient geometric principals, spirituality and the pragmatic use of materials.

Included in the installation is untitled (algorithms) a large scale paper collage drawing, untitled (alchemy) a suite of drawings made with Peruvian Cacao. The suite of framed Peruvian cacao drawings are an amalgamation of cosmological maps and fragments of architectural design relating to Frank Lloyd Wright’s custom window design, as well as Japanese, and Tiwanaku design from which Wright drew influence.

A series of plaster sculptures, amauta (our shields, our arrows, our song) from a Lasonic TR 930 radio, originally made in 1985. The same year of the Accomarca massacre and Peru’s generation elections. The TR 930 radio was also one of the earliest mainstream audio products directly created for the-then, still socially unaccepted and highly vilified US Hip Hop music. Hip Hop in many ways was also the people’s newspaper in that it addressed social issues of the day that popular Rock & Roll music of the day had abandoned. The plaster radios represent transmissions, vessels and methods, before/after the advent of television and prior to the internet, in which communities stayed connected.

Read more in: www.sitesantafe.org/exhibition/sitelines-2016/


Ximena Garrido-Lecca // Insurgencias Botánicas: Phaseolus Lunatus // Sala de Arte Público Siqueiros

En "Insurgencias botánicas: Phaseolus lunatus", Ximena Garrido- Lecca (Lima, Perú 1980) crea un laboratorio hortícola de una especie herbácea mejor conocida como pallar peruano (frijol de tamaño grande que muestra en su piel diseños blancos y negros), que se cultiva en un sistema hidropónico dentro del cubo de la SAPS. En su obra, la artista analiza la politización del espacio público y el uso de materiales vernáculos que han sido empleados en la artesanía, el arte y la arquitectura a través de la historia peruana.

Del 01 de marzo al 14 de mayo, 2017
Tres Picos 29, Polanco, C.P. 11560, Ciudad de México.


Próxima Parada: Artistas peruanos en la Colección Hochschild

Gabriel Acevedo // Iosu Aramburu // Ximena Garrido-Lecca // José Vera Matos // Maya Watanabe // David Zink Yi

PRÓXIMA PARADA: ARTISTAS PERUANOS EN LA COLECCIÓN HOCHSCHILD

La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid presenta la exposición "Próxima parada: artistas peruanos en la colección Hochschild". Esta muestra colectiva, comisariada por Octavio Zaya, reúne a un conjunto de alrededor de cuarenta artistas y ofrece una visión representativa de los fondos de la colección Hochschild, así como de las creaciones de los artistas peruanos contemporáneos, siendo un ejemplo extraordinario del papel que desempeña un coleccionista en la expansión de los límites y fronteras de la creación de su país.

Sala Alcalá 31, Madrid
Del 21 de febrero al 16 de abril de 2017


IOSU ARAMBURU // ELIANA OTTA // MAYA WATANABE

COORDENADAS ALTERADAS: Fronteras, fisuras y retículas urbanas en Lima

Iosu Aramburu, Avenida 28 de Julio (1904-06), 2017.

Lima padece problemáticas cada vez más graves: caos vehicular, civismo en crisis, delincuencia, informalidad, escasa planificación, entre otras. En este contexto se plantea Coordenadas Alteradas, proyecto que reúne a veinticinco artistas locales en tres muestras simultáneas y complementarias: Fronteras difusas (videoinstalación), Fisuras ciudadanas (fotografía) y Retículas urbanas (arte gráfico). Si bien independientes, las tres se complementan al abordar la realidad urbana de Lima, su morfología y dinámicas sociales. Se plantea así una mirada alterna al análisis objetivo y científico de la ciudad, alterando y resignificando sus coordenadas urbanas.

Participan los artistas: Miguel Aguirre, Sandro Angobaldo, Iosu Aramburú, Ralph Bauer, Max Cabello, Paulo Dam, Manuel De Rivero, David Galliquio, Renzo Giraldo, Natalia Iguíñiz, Diego Lama, Michelle Llona, Edi Hirose, Rodrigo La hoz, Elio Martuccelli, José Antonio Mesones (Goster), Sandra Nakamura, Eliana Otta, Adrián Portugal, Michael Prado, Christian Quijada, Gihan Tubbeh, Karla Villavicencio, Maya Watanabe y Ricardo Yui. Bajo la curaduría de Víctor Mejía.

Galería Germán Krüger Espantoso:
Av. Angamos Oeste 160
Del 16 de junio al 06 de agosto, 2017


WILLIAM CORDOVA

RECIPIENT OF THE ORLANDO MUSEUM OF ART FLORIDA PRIZE IN CONTEMPORARY ART.

ORLANDO, June 5, 2017 – William Cordova has been named the 2017 recipient of the Orlando Museum of Art Florida Prize in Contemporary Art. Glen Gentele, the Director and CEO of the museum, made this announcement on Friday, June 2, 2017 at the Florida Prize Exhibition Preview Party.

The three jurors of the exhibition were Dan L. Hess, a visual artist based in Central Florida; Katherine Navarro, Associate Curator of Education at The Mennello Museum of American Art; and Joanna Robotham, Curator of Contemporary Art at the Tampa Museum of Art.

Included in the exhibition is Cordova’s, the house that frank lloyd wright built 4 fred hampton y mark clark (despues de atahualpa), an architectural installation that is a memorial and meditative space that synthesizes spiritual, physical and historical references. Also included are a selection of drawings, collages and sculptures. These often reference modes of communication transformed by ever changing contexts of history and culture. One reoccurring motif is seen in collages of abstract patterns of color which draw upon ancient Andean textiles whose fractal designs have biological origins and are applied to all aspects of Andean society; architecture, philosophy and spirituality.

Read more in www.omart.org.


Juan Javier Salazar en el Pabellón de Perú

PERU. Land of Tomorrow
Juan Javier Salazar en el Pabellón de Perú
de la 57ª Bienal de Venecia

Juan Javier Salazar
Peru. Land of Tomorrow

Del 13 de mayo - 26 de noviembre, 2017
Pabellón Peruano ubicado en el segundo piso de la Sala d’Armi Nord, Arsenal de Venecia, Italia.